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Assessing the Intrinsic Impacts of a Live Performance

avril 28, 200828 avril 2008

la publication
Fréquentation des arts / Arts de la scène

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http://www.wolfbrown.com/index.php?page=books-and-reports

Ce rapport « tente de définir et de mesurer les transformations ressenties par le public d’un spectacle ». Deux sondages ont été réalisés à la demande de six diffuseurs auprès de 1 730 personnes choisies au hasard qui ont assisté à 19 spectacles de musique, de danse ou de théâtre. Les chercheurs mettent en garde contre les conclusions trop hâtives, « il faut veiller… à ne pas faire des généralisations au sujet des arts de la scène à partir de cet échantillon limité de 19 spectacles ».

Les chercheurs ont d’abord sondé l’anticipation de la représentation par le public à leur arrivée à la salle de spectacle. Un deuxième sondage postal a mesuré les réactions au spectacle. Le rapport constate que « l’attente d’une expérience agréable est le meilleur indicateur simple d’une expérience satisfaisante ». Un nombre de différents facteurs peuvent contribuer à intensifier l’anticipation, notamment les méthodes de marketing et une solidarité ethnique ou culturelle entre les membres du public et l’artiste. Les spectateurs qui disposent de plus d’information contextuelle peuvent « mieux profiter des spectacles, du moins dans certaines circonstances ».

Contrairement à ce que certains prétendent, le rapport conclut qu’ « il est possible de mesurer les effets intrinsèques ». Le rapport se penche sur un grand nombre d’effets intrinsèques possibles dont « la captivation, la stimulation intellectuelle, la résonance affective, la valeur spirituelle, la croissance esthétique et la cohésion sociale ».

La captivation – le degré de concentration des membres du public sur le spectacle – est en très forte corrélation avec la satisfaction ressentie. Le rapport constate que de nombreux membres du public affirment « ‘être accaparés par le spectacle’ ou ‘être transportés ailleurs’ ».

La stimulation intellectuelle comprend un degré d’engagement intellectuel suscité par le spectacle, en provoquant des remises en question ou des indignations, en reflétant les opinions et les croyances du spectateur, et en partageant le sens et la valeur des représentations. « Une forte majorité des personnes sondées (87 %) ont évoqué le sens ou la valeur de la représentation, et seulement 19 % d’entre elles estiment avoir eu un ‘échange intense’ à la suite du spectacle. »

Les spectacles peuvent susciter des réactions affectives allant de la joie au désespoir. Les données du rapport indiquent qu’il y a une connexion entre l’émotion et la mémoire, ce qui permet aux chercheurs d’affirmer que la résonance affective d’une représentation peut « produire un ‘capital d’avantages’ intrinsèque la vie durant ». Malgré cela, les chercheurs maintiennent également que « l’alchimie délicate de l’art, du public et des facteurs situationnels qui offre un degré élevé de résonance affective peut s’avérer trop compliquée à déconstruire dans une expérience de recherche. »

Les chercheurs observent que de nombreux spectateurs « sont à la recherche d’expériences transcendantes dans un sens spirituel – mais non pas nécessairement religieux ». Le public développe son sens esthétique non seulement lors de la présentation d’œuvres artistiques inhabituelles ou nouvelles, mais aussi en « attirant des spectateurs nouveaux ou peu fréquents vers des artistes et des répertoires qui leur sont relativement peu connus ».

Les représentations constituent des occasions de cohésion sociale, qui peuvent contribuer à la cohésion familiale, à l’élargissement des réseaux sociaux et à une plus grande empathie pour les autres. « Les diffuseurs favorisent la cohésion sociale en exposant de nouvelles cultures au public, en intégrant le patrimoine culturel de leur public à leur programmation et en créant des spectacles qui permettent une meilleure compréhension des enjeux sociaux et des relations humaines. »

Les diffuseurs peuvent passer à une « programmation axée sur les avantages » en « faisant vivre l’expérience par le public (c’est-à-dire, une approche de mobilisation) grâce à un dosage de sensibilisation, de découverte du public, de marketing et d’interaction avec les artistes ». Parmi les stratégies conseillées, on recommande de miser davantage sur la mobilisation avant le spectacle, sur une meilleure mise en contexte des spectacles, sur « une plus forte intégration des objectifs scolaires à la programmation de base » et sur des « stratégies de marketing qui motivent et qui récompensent l’expérimentation ».

Les chercheurs maintiennent qu’en accordant davantage d’importance à la mesure des effets intrinsèques, « les diffuseurs artistiques auraient de meilleures preuves de la réussite de leur mission, seraient mieux en mesure de communiquer avec les autres au sujet de l’impact de leur programmation de tournées, et seraient mieux préparés à avoir une discussion objective sur les résultats avec les artistes et les gérants ».

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