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Chorégraphier notre futur : stratégies pour soutenir les pratiques artistiques

Choreographing Our Future: Strategies for Supporting Next Generation Arts Practice

février 26, 201426 février 2014

la publication
Gestion et financement des arts

Lien d'article
http://metcalffoundation.com/publications-resources/view/choreographing-our-future/#.UoTaS-KruJo

Basé sur une recherche de l’auteure et son immersion « au cours des trois dernières années dans les complexités des systèmes de soutien des arts et leurs relations aux pratiques contemporaines », ce rapport avance que « nous devons réaligner la mentalité de nos politiques sur les arts ainsi que nos pratiques de financement afin de soutenir une nouvelle génération de développement des arts au Canada. Pour y arriver, il faudra que les milieux des arts et les bailleurs de fonds se concertent. »

De plus, l’auteure avance que « des changements importants dans les pratiques artistiques nous obligent à reconsidérer les aspects les plus fondamentaux du modèle de financement des arts ». L’accent doit être mis « sur la collaboration, les nouveaux modèles de fonctionnement, les pratiques de financement soutenables et la santé des artistes individuels ».

Le mémoire énumère trois compétences de base pour les artistes : 1) créer et innover; 2) établir des liaisons et des connexions; et 3) développer une entreprise artistique efficace. En rapport à ces trois thèmes, l’auteur avance que : 1) il faut contester le modèle de financement des arts fondé sur les disciplines; 2) le public doit avoir plus de possibilités de s’engager envers les arts; et 3) il faut explorer les nouvelles stratégies d’affaires et les modèles structurels émergents.

La « principale transformation systémique » préconisée par le rapport comprend :

  1. Fournir un capital pour le changement (« un seul investissement unique pour aider les organismes à entreprendre un processus systématique de transformation innovatrice de leur organisation »).
  2. Encourager et récompenser les pratiques financières soutenables, y compris le « rajustement de la taille », l’encouragement des réserves, les récompenses pour les excédents et une meilleure reconnaissance de la nature des risques.
  3. Soutenir le « déclin des organismes et la conservation de leur patrimoine artistique ».
  4. Réorienter « les programmes de développement des capacités pour soutenir divers modèles opérationnels structurels et administratifs » (en diversifiant les types d’organismes, de partenariats et de groupes collaboratifs).
  5. Fournir de « nouveaux moyens importants de soutien aux artistes individuels à des étapes cruciales de leur carrière », y compris des « investissements périodiques sous forme de bourses, de prix, de subventions accélératrices, de congés sabbatiques ou de fonds pour le développement des capacités ».
  6. Accorder la priorité au soutien des plateformes administratives partagées et de nouveaux modèles fonctionnels dans les arts.

L’auteure recommande également que des études soient entreprises afin de mieux comprendre « la nature de l’engagement envers les arts ainsi que la façon dont les gens attribuent de la valeur à leurs expériences ».

Si le secteur des arts s’oriente dans la direction proposée pour l’engagement envers les arts, l’auteure estime qu’il devrait y avoir « des possibilités sans précédent pour le secteur des arts de réaffirmer son rôle essentiel dans la toile sociale des collectivités dont il est un élément ».

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